Du pop-corn plein les dents

Avoir une carte cinéma illimité, c'est bien. Grace à ce bout de plastique, on peut (presque) tout voir, y compris les grosses bousasses intercosmiques comme Banlieue 13 : Ultimatum. Bon et puis en cette période de guerre civile entre geeks qui se déchirent quant à la "qualité objective" de Watchmen, rien de tel qu'une bonne vieille daube pour mettre tout le monde d'accord.

Se taper ce genre de "film" sur écran géant est une véritable expérience extra sensorielle qui donne l'impression de débarquer dans un univers parallèle où on se situe sans cesse entre le rire moqueur et la consternation la plus totale. Et c'est exactement ce que je cherchais en allant voir la fabuleuse suite de Banlieue 13. Pour ceux qui ne connaissent pas l'histoire, la voici: France, 2013: devant l'incapacité des pouvoirs publics à gérer le problème grandissant des cités, il a été décidé de les isoler au moyen d'un mur d'enceinte afin de les séparer du reste du territoire. Mais dans l'ombre, un complot militaro-immobilier se tisse visant à réduire les banlieues en cendre pour mieux les reconstruire.

Les connaisseurs l'auront remarqué, on se trouve bien en présence d'un ersatz de New York 1997. Seulement voilà, il faudra donner des cours de vision post-apocalyptique à Besson (scénariste du film), tant son univers n'est pas crédible pour un sou. A la lecture du pitch, on s'attend bien évidemment à découvrir une France à la botte d'un régime totalitaire ou fasciste mais non: hormis les banlieues, rien n'a changé. Les institutions sont les mêmes et le Président a l'air d'un centriste très à cheval sur les droits de l'homme. Cherchez l'erreur. Par ailleurs il est même fait référence à la situation actuelle de la France dans le film. Malheureusement, ces clins d'oeil sont d'une finesse si pachydermique qu'on se demande si les auteurs ne prennent pas leur public pour des banlieusards complètement décérebrés, incapables de déceler la moindre métaphore un tant soi peu subtile.

 Luc Besson: Le John Carpenter du pauvre

Quant à la réalisation, encore une fois, on n'a pas pu s'empêcher de lorgner sur Jason Bourne. Ca commence avec une course poursuite à pied avec caméra sur l'épaule qui filera la gerbe aux spectateurs les plus endurcis qui n'avaient pas eu le moindre relent gastrique devant Blair Witch Project, Cloverfield ou Rec. Et puis quand Jason Bourne se battait avec un stylo bic, un magazine biba ou un rouleau de papier toilette, le héros de Banlieue 13 utilise quant à lui un tableau de Van Gogh de 200 millions d'euros et ce bien sur, sans l'endommager. Si si, un tableau de Van Gogh. C'est autrement plus classe. Le genre de scène qui fait sombrer le film dans le portnawak le plus abyssal.

Et je ne parle même pas de l'interprétation des acteurs, à peine dignes de rejoindre le casting de Plus belle la vie pour des rôles de figurants.

Mais le problème dans Banlieue 13 Ultimatum, c'est son idéologie foireuse qui lui fait perdre son rang de nanar sympatique pour celui de grosse bouse nauséabonde. Le film est une succession de clichés hallucinants (et même limite insultants) sur la banlieue: Les noirs ont tous des machettes et des boubous, les arabes sont tous des islamistes sortis tout droit des montagnes d'afghanistan, les asiatiques ont des tronches de yakuza et et les blancs sont des néo-nazis. Tout le monde y écoute skyrock et les voitures sont bien évidemment tunées. Et comme dans tout bon film de Besson, les flics sont des pleutres tout juste bons à se faire savater la tronche par des yamakasis en marcel.

Mais le pire est certainement atteint vers la fin, lorsque toutes les ethnies font équipe (oui oui, même les nazis et les barbus) pour sauver leur banlieue, qui est finalement décrite comme un modèle de vie sociale : "une famille qui nous protège, nous unit, nous rassemble". Le héros du film a même la solution miracle pour redonner vie aux cités qui devraient être "un vrai quartier, une vraie banlieue, avec des espaces verts et du travail". Pas con. Personne n'y avait pensé.

Luc Besson: le secrétaire d'état à la banlieue du pauvre

Une bouse fumante donc, qui confirme la ringardisation sans cesse croissante de la franchise Besson ainsi que son abandon de toute ambition artistique au profit de films faciles avec rentrées d'argent assurées visant un public bien précis et peu regardant.

Alors, pour tous les grands malades étant sur le point de voir ce chef d'oeuvre, un conseil: armez vous d'une bonne dose de 5eme degré. Avec un peu de chance, vous limiterez ainsi la déstructuration de vos cellules cérébrales.

Luc Besson: Le Droopy du pauvre.

Ca y est, le dernier James Bond est sorti. Et en tant qu'amateur de la série (un peu comme tout le monde en fait) je ne pouvais pas manquer ce rendez-vous. Et globalement, la déception était le sentiment dominant en sortie de salle.

Déçu car ce Quantum of Solace est finalement un James Bond assez bizarre. Tout le monde avait salué la rupture de Casino Royale dans l'histoire des James Bond qui faisait de l'espion anglais une brute épaisse dotée cependant d'une certaine fragilité. Un lifting nécessaire après le catastrophique Meurs un autre jour pour remettre Bond dans la course face aux agents secrets actuels, Jason Bourne en tête. Les scènes d'action connaissaient elles aussi un certain remaniement : violence décuplée, combats raprochés à la Bourne, caméra sur l'épaule, réalisme accru, etc. Tout le monde était aussi d'accord sur le bon choix de casting concernant Daniel Craig, au charisme phénoménal qui en fait aussi le Bond le plus arrogant de l'histoire.

Mais on a la curieuse impression que ce qui faisait le succès de la recette de Casino Royale a été multiplié puissance 1000 pour Quantum of Solace, en faisant faire à Bond un pas de géant vers sa perte d'identité. La poursuite sur les toits, par exemple, est une copie quasi-conforme de celle de la vengeance dans la peau, notamment avec les sauts de balcons. Et les gadgets? Ben rien du tout si ce n'est des téléphones portables et une sorte de table de bureau avec ecran géant horizontal tactile, vachement pratique pour faire un briefing photos/documents, mais pas crédible pour un sou.

Si on enlève en plus Monneypenny, Q, les vodka-martini, qu'on place la séquence du gun barrel (*) à la fin et qu'on montre l'agent secret se faire refuser sa CB au guichet d'un aéroport, on est finalement très loin des codes de la saga. Il est pour l'instant trop tôt pour évaluer la transformation radicale du mythe Bondien au XXIe siècle, celle-ci étant jugée plus que salutaire après les dérives de l'ère Brosnan. Mais il est fort probable qu'à ce rythme là, on se retrouve à nouveau avec un Bond plus traditionnel d'ici 5 à 10 ans.

De plus, le récit est à mon sens partiellement noyé dans une débauche de scènes d'action ne permettant guère au spectateur de reprendre son souffle. Une petite déception donc.

Et puis en rentrant chez moi le soir, je suis tombé sur ça à la télé:

Et après avoir vu Sophie Marceau en méchante, Denise Richards jouer au Docteur en physique nucléaire, Pierce Brosnan faire des double twist gratte-dos en ski tout en étant pourchassé par des motoneiges volantes, Robert Carlyle en totale roue libre dans son rôle de psychopathe....Ben je me suis dit que finalement c'était pas si mal que ça le changement.

(*) La séquence dite du gun barrel est censée intervenir au tout début de chaque James Bond. Elle montre ainsi Bond marchant de profil de la droite vers la gauche, vu de l'intérieur d'un canon de révolver suivant son déplacement. L'agent secret effectue alors un quart de tour rapide vers la gauche et tire une balle en direction du canon et la scène se termine par un flot de sang dégoulinant le long de l'écran avec parfois des mouvements de caméra indiquant que le méchant titube. Le gun barrel de Casino Royale fut le premier à faire partie intégrante du récit et à ne pas intervenir au début. Ce fut la seconde fois pour Quantum of Solace, où la séquence intervient au générique de fin. Petites illustrations:

Période Sean Connery 1 (1962/1964). La scène est alors tournée avec Bob Simmons, cascadeur.

Période Sean Connery 2 (1965/1971): Avec le passage en format cinémascope, la séquence a du être retournée. Ce coup-ci, Sean Connery s'y est collé.

Période George Lazenby (1969) pour Au service secret de sa majesté. La seule et unique fois que Bond met un genou à terre pour tirer.

Période Roger moore (1973/1985): Abandon du chapeau et port de l'arme à 2 mains.

 Période Timothy Dalton (1987/1989)

 Période Pierce Brosnan (1995/2002)

Période Daniel Craig (2006/????) dans Casino Royale. La séquence change radicalement par rapport aux précédents opus: elle est ici contextualisée et localisée dans un décor de salle de bain. En lieu et place de la sempiternelle marche de droite à gauche et du quart de tour, Daniel Craig effectue ici un simple demi tour et c'est tout.

Voir le dernier Pixar est souvent un investissement sans risque. Mais systématiquement au moment de rentrer dans la salle, on se demande avec angoisse « et si ce coup ci, c’était une bouse ? » Et ben non en fait. Sans surprise, ce fut encore un grand moment de bonheur pour moi. Que dire de WALL-E si ce n’est qu’en sortant, on a la banane, tout heureux d’avoir claqué ses 9€20 dans un vrai, beau et grand film. Le genre de truc qu’on recherche quand on va au cinéma quoi.

Les studios Pixar sont encore parvenus à prolonger l’état de grâce qui les entoure depuis 1995 tout en donnant l’impression que leur dernière merveille surpasse toujours la précédente.

En l’occurrence, WALL-E est, comme tout Pixar, techniquement sublime et comble d’émerveillement le spectateur. Ce n’est finalement pas une grande surprise. Ce qui semble nouveau désormais, c’est le discours politique de l’œuvre, qui n’hésite pas à taper à grands coups de massue sur la société de consommation, en particulier américaine. Pour info, le film a été qualifié de propagande gauchiste par certains milieux politiques outre Atlantique.

Bien évidemment, cela peut sembler paradoxal étant donné que WALL-E contribue très largement à ce consumérisme exacerbé qu’il critique (le menu happy meal WALL-E, le jeux vidéo disponible sur n’importe quelle plateforme, la peluche WALL-E, le robot téléguidé WALL-E, etc). Du coup on perd un peu de crédibilité en matière de critique subversive mais bon , n’est pas John Carpenter qui veut !  Mais l’intention est là et contribue à donner un peu plus d’épaisseur au film qui en fait sûrement le Pixar le plus adulte avec Les Indestructibles.

Pour le reste, c’est du tout bon. Le personnage de WALL-E, sa rencontre avec EVE, leurs échanges, leurs dialogues limités, leur histoire d’amour sur fond de différence, difficile de ne pas adhérer à tout ça ! Et on se prend en pleine poire toute une palette de sentiments contradictoires durant le film, comme à chaque Pixar : la Joie, la tristesse, le rire, l’excitation et la béatitude finale.

Un grand merci et vivement Up, leur prochaine production, prévue pour l’été 2009.

 Attention, cet article est agrémenté de spoilers tout au long de son contenu. Si vous n'avez pas encore vu Bad Taste, vous risquez donc de vous gacher une bonne partie du plaisir en cas de vision éventuelle de l'oeuvre...

Tous les gens qui ont pu voir Bad Taste après la trilogie Lord Of The Rings ont du se dire « Ouaouh, c’est un truc de dingue, t’as vu les films de ouf qu’il faisait avant, Peter Jackson ? » Pour beaucoup d’autres comme pour moi, c’était un peu l’inverse. J’ai eu l’opportunité de voir ce diamant brut 1000 carats au début des années 90 lors de son passage sur Canal Plus. Je me souviens d’avoir été scotché devant l’écran, complètement happé par les images : « Ai-je bien vu un gars boire du vomi vert dans un saladier ? Un mouton se faire exploser au lance roquettes ? Un binoclard mettre un coup de boule à une mouette après avoir dévissé d’une falaise ? »  J’ai alors assisté au fil des années à l’évolution du réalisateur Peter Jackson d’un œil incrédule après Braindead. Le metteur en scène de Bad Taste était-il vraiment le même que celui de Créatures Célestes ? Dès qu’un nouveau film de Jackson sortait, celui-ci prenait du poids, au propre comme au figuré jusqu'à la sublime trilogie de l'anneau. Lorsqu'il est devenu vraiment célèbre, je fus alors partagé entre la joie de voir cette pépite resurgir du temps passé au profit d'un public plus large et la tristesse de la voir se diluer dans un océan de nouveau fans. Toute la problématique de la communauté geek, en somme!

"Schplaff!"

Premier volet de sa trilogie Portnawak (dans le bon sens du terme) qui sera suivi de Meet the Feebles (1989) et Braindead (1992), Bad Taste retrace l’histoire de Barry, Ozzy, Franck et Derek, 4 agents gouvernementaux menant une enquête sur la disparition mystérieuse de toute la population du village de Kaihoro en Nouvelle Zélande. Il s’avérera en fait que les habitants ont été décimés par des aliens travaillant pour le compte d’un magnat de la junk food intergalactique, désirant lancer une toute nouvelle gamme de burgers à base de viande humaine. Si ça c’est pas du scénar complètement barré !  

"Chbong!"

A l’instar de Brain Dead, Bad Taste ne peut être vu comme un film d’horreur mais plutôt comme une comédie horrifique. Et l'humour dans Bad Taste est distillé de façon assez variée. Il y a l'humour gore (environ un mort sur deux dans le film), l'humour scato (le "sirotage de dégueulis"), l'humour absurde (le mouton explosé) et l'humour burlesque (Derek glissant dans une bouse de vache). Le film possède vraiment un ton et un humour qui lui sont propres donnant l'impression qu'on assite à un spectacle jamais vu auparavant, tant l'humour débile atteint des sommets ici.

Mais malgré tout ce déballage comique, le film atteint parfois des pics de tension dramatique assez poussés. La superbe scène de la falaise (sans doute la meilleure du film pour moi) où Derek lutte seul contre 5 aliens armés de maillets en est certainement le meilleur exemple. Au début de ce passage, le spectatateur sait que Derek ne va pas tarder à morfler sévère (Derek ayant auparavant torturé sauvagement un "cosmo-connard", il est donc logique qu'il paye, conformément à la morale judéo-chrétienne) et c'est donc avec fébrilité qu'on attend la chute fatidique du mannequin en mousse.   

 Lors de ces scènes de tension, Jackson s’amuse beaucoup à jouer avec les codes du film d’horreur (la recherche de clefs de voiture avec mains tremblotantes, la bagnole qui refuse de démarrer, etc) tout en les agrémentant de gags reposant généralement sur la débilité des aliens ou sur la tendance des personnages à ne pas pouvoir faire 3 pas sans se vautrer par terre.

"Gnark gnark gnark!"

Alors évidemment certains pourront reprocher à Jackson une mise en scène plutôt moyenne, mais il ne faut pas oublier le contexte dans lequel Bad Taste fut tourné: Tous les week end pendant 4 ans, avec ses potes et un budget très limité, le réalisateur assurant lui même deux rôles dans le film. Cette mise en scène est pourtant bien typique et reconnaissable entre mille. On se croirait même parfois devant un film de Leone (longs passages silencieux, gros plans sur les visages, musique omniprésente)!

Mis à part le côté fauché de cette production, le principal défaut qu'on pourrait lui trouver serait une baisse de rythme vers la fin du film, lorsque la fusillade aux abords de la maison devient un peu longuette. Sinon, pour le reste, c'est de l'or en barre, surtout en VF où les doubleurs se sont visiblement bien lâchés. Et pour courronner le tout, on a même droit à une petite condamnation du capitalisme de la junk food, matérialisé par le discours hallucinant du Boss des aliens, expliquant comment il va réduire la concurrence à néant grâce à l'arrivée sur le marché de "l'homo sapiens burger"!

"Scronch scronch..."

 Un film à découvrir absolument pour tous les malheureux qui ne le connaitraient pas encore. Mais attention, pour l'apprécier pleinement, il faudra garder à l'esprit son aspect expérimental et ne pas s'attendre à voir un Braindead bis (pour ceux qui l'auraient vu avant) tant celui-ci sera supérieur à Bad Taste dans sa frénésie et son intensité comico-gore.

«  Good enough for you is…Good enough for me… it’s good enough, it’s good enough for me, yeah yeah yeah yeah yeah…”

Rien que de chantonner le titre de Cindy Lauper faisant partie de la BOF du film, mon visage s’éclaire. Pourquoi ? Tout simplement parce que Les Goonies est peut être le film qui m’a fait le plus rêver quand j’étais gamin. Des gosses déconneurs, des gangsters abrutis, une histoire de trésor de pirates caché, des pièges mortels, l’ombre de Spielberg sur tout le film, etc. Tous les ingrédients étaient là pour garantir le succès du film, qui fut assez important à l’époque.

"Bon, les gars, on lui dit ou pas qu'il bouffe comme un porc?"

Après une longue période sans l’avoir vu, ce fut avec une certaine appréhension que je décidais de me relancer dans cette histoire de gamins à la recherche du trésor qui sauvera leurs maisons à tous. Le film était-il finalement qu’une grosse bouse vue comme un chef d’œuvre par des yeux d’enfant  ? Allait-il subir la même putréfaction que bon nombre des ses congénères des 80’s vingt ans plus tard ?

Et ben, globalement, non. Pour moi, le film a remarquablement bien vieilli et reste encore aujourd’hui une des références du film d’aventures pour gosse.

Bon tout d’abord, faut pas être trop regardant sur le scénario. On apprend au départ du film que les parents des goonies sont sur le point de se faire exproprier par un magnat de l’immobilier désirant construire un terrain de golf sur leur propriété. Et il suffirait juste de trouver une certaine somme d’argent pour sauver la maison. Les goonies, composés de Mickey (le gamin rêveur asthmatique), Choco (le gamin obèse qui ne pense qu’à bouffer), Data (le gamin asiatique qui invente plein de trucs) et Bagou (le gamin à grande gueule qui vanne à tout va) décident de partir à la recherche du trésor perdu de Willie le Borgne, pirate légendaire qui aurait été emmuré vivant par la flotte britannique avec tout son équipage et son trésor (ça tombe bien !), dans les environs (encore mieux!). Ils seront accompagnés en chemin par des plus grands qu’eux : Brand le grand frère de Mickey qui vient juste de foirer son permis, Steph, la fille à lunettes et Andy, la pom-pom girl qui en pince pour Brand. Après avoir mis la main sur plein d’indices révélant l’emplacement du trésor, (dont visiblement tout le monde se foutait vu qu’ils étaient remisés au grenier avec plein de vieux trucs, dont une boule électrique encore branchée !) ils partent à l’aventure, suivis de près par les Fratelli frères et mère, famille de gangsters en cavale, eux aussi en quête du trésor.

Mama Fratelli.

Voilà un pitch tout ce qu’il y a de plus classique pour du cinéma d’aventures. On peut pas dire non plus que les décors soient faramineux (mis à part le bateau pirate), les effets spéciaux bluffants ou la mise en scène révolutionnaire. Non. Ce qui fait le charme du film, c’est tout simplement son ton. Pour un film supposé viser une cible jeune, les dialogues sont assez savoureux. Indiscutablement, le personnage de Bagou est le point fort du film à ce niveau là. Ses répliques font souvent mouche :

Bagou : « Hey, écoute un peu Choco… »

Choco : « Quoi ? »

Bagou : « Tu sais que j’ai des photos de ta mère qui prend un bain, complètement à poil. Tu veux me les acheter ? »

Choco : « QUOI ? »

Bagou : « Pas chères, bien sûr. »

Bagou, LA star du film.

Ou encore celle-ci (dans cette scène, Choco vient de faire malencontreusement tomber une miniature de statue antique chez les parents de Mickey. Elle est presque intacte. Seul le sexe de l’objet est endommagé) :

Mickey : « Oh non, c’est le truc que ma mère préfère ! »

Bagou : « Tu serais pas là si elle n’aimait pas ça… »

Brand : « Ta gueule Bagou ! »

Le plus surprenant aujourd’hui, c’est que de telles répliques sont débitées par des enfants censés avoir environ 12 ans dans le film. Impossible d’imaginer les mêmes dialogues dans les films d’aventures d’aujourd’hui. Vous voyez, vous, cette gourdasse d’Harry Potter ou les 4 morveux de Narnia oser dialoguer de la sorte ? Bien sûr que non. Et c’est en partie l’intérêt de l’oeuvre. Les goonies ne sont finalement que des gosses comme les autres. Et les gosses de 12 ans, ne nous leurrons pas, sont souvent amateurs de blagues de cul. Et ça fait bien longtemps qu’Hollywood essaie de nous faire croire que nos chères petites têtes blondes ne pensent jamais ainsi.

"On dirait pas comme ça, mais quand je serai grand, j'irai à Berkeley, je serai quaterback de l'équipe de foot, et je deviendrai avocat d'affaires à Beverly Hills. Et ouais." (Eléments tirés de la biographie de Jeff Cohen, interprète de Choco, dans wikipedia. Si si, c'est vrai en plus!)

Serais-je finalement atteint du « syndrome du vieux con », adepte du « c’était mieux avant » ? Peut être, mais lorsqu’on regarde Les Goonies aujourd’hui, on se retrouve en face d’une faille temporelle béante, grande ouverte sur les 80’s, avec un film très représentatif de son temps mais qui n’a paradoxalement pas (ou peu) vieilli.

Comment Parler des Goonies sans traiter enfin du personnage de Sinoque, freak monstrueux au cœur tendre qui formera avec Choco un duo de mini Buddy movie dans le film. Je pense que Sinoque fut un véritable choc pour tous les gamins qui virent ce film à l’époque. Comment ne pas être effrayé par sa tête difforme ? Mais comment ne pas l’aimer non plus ? Une sorte d’Elephant Man pour les gosses qui sera le seul « adulte » du film a être traité finalement de façon positive, conformément à la vision « Spielbergienne » de l’époque : les grands ne sont ici représentés que sous la forme de gangsters, de parents confondant sans cesse les prénoms de leurs enfants ou de spéculateurs immobiliers aux dents longues.

Choco et Sinoque: LES deux autres stars du film.

Un bien beau film. Vraiment. Et même si la fin est magnifique, avec ce bateau  pirate partant vers le soleil couchant un peu comme Indy dans la dernière croisade, elle n’en est pas moins synonyme de fin de l’aventure de nos héros. Donc triste, fatalement.